Les Scarifiés (China Miéville)

Bonjour Marc, tu es illustrateur freelance, concept artist et matte painter. Depuis 10 ans environ, tu offres tes services aux industries du jeu vidéo, de la publicité, du cinéma, de l’édition littéraire. Peux-tu nous dire quel support ou quel média t’offre le plus de liberté, ou lequel te procure le plus de plaisir ? Et pourquoi ?

Bonjour, il n’y a pas à proprement parlé de support ou de média qui offre le plus de liberté : le gros de la liberté et du plaisir que j’ai dépend avant tout de mon interlocuteur (directeur artistique ou intervenant marketing) et de la confiance qu’il me donne. Il m’est arrivé d’être complètement bloqué et contraint sur tous les aspects d’une couverture de livre (composition, poses, couleurs, perspective, etc…) et d’être complètement libre chez un autre éditeur. J’ai eu l’occasion de proposer les directions graphiques pour un jeu vidéo, et sur un autre juste à respecter une charte préexistante. Le plaisir dépend à la fois des contraintes et de l’affinité avec le sujet.

À moins de faire erreur, ton travail le plus notoire est la réalisation de couvertures de romans de fantasy et de science-fiction (SF), et pas n’importe lesquels puisque il s’agit souvent de romans cultes (le Trône de Fer,  le Disque-Monde, le Nom du vent et ses suites, Perdido Street Station). Lorsque tu dessines pour illustrer ces livres-là, déjà riches visuellement, comment gères-tu le fait que, d’une façon plus ou moins importante, ton travail va influencer l’imaginaire du lecteur, peut-être même parfois autant que celui de l’auteur ?  En d’autres termes, est-ce que tu as la sensation de cadrer, ou d’orienter, le monde que l’écrivain a conçu ?

Je me définis avant tout comme un lecteur et j’essaye d’être au plus près de chaque texte avant tout. J’ai plus l’impression que les livres les plus forts visuellement comme le Trône de Fer, les Annales du Disque-Monde ou Perdido Street Station, imposent déjà une vision commune à tous les lecteurs, très précise. Dans la mesure du possible j’essaye toujours de représenter le moins possible les personnages en grand, et de me focaliser avant tout sur l’ambiance de l’image qui doit être le reflet du contenu du livre.

Le Trône de Fer, l'Intégrale 1 (George R.R. Martin).

Pour le Disque-Monde, j’ai représenté les personnages, mais sans chercher particulièrement à les représenter toujours avec les mêmes traits et les connaisseurs de l’œuvre de Pratchett les identifient la plupart du temps assez bien. C’est à mon humble avis parce que chaque personnage possède sa propre façon de bouger et bien entendu une tenue bien distinctive.

Le problème de l’influence de la couverture se pose néanmoins toujours. Pour l’éviter il faudrait dans l’idéal des couvertures reliés en cuir… Mais mon travail est à la fois de donner une visibilité à un livre sur un étal et en même temps à être fidèle à son contenu, ce qui n’est pas incompatible avec le fait d’essayer de faire les plus belles images possibles à chaque fois.

Le Faucheur (Terry Pratchett), illustration inspirée de "l'Angélus" de Millet.

Dans tes peintures, à quelques exceptions près, les décors semblent souvent plus importants que les personnages…  En tous cas ils captent le regard et  s’imposent visuellement. Qu’ils soient naturels ou artificiels, les décors dépassent les individus, non pas pour les écraser ou les menacer mais pour, peut-être, les ramener à leur place. Les décors deviennent le personnage principal. Est-ce une réaction aux contenus des livres  que tu illustres ? Est-ce une façon, justement, de ne pas trop « spoiler le livre » ? Ou bien est-ce une sorte de thématique personnelle ?

Bon, je n’avais pas lu cette question avant de répondre à la précédente, mais je crois que leurs problématiques se rejoignent effectivement. Je trouve qu’il est très périlleux de représenter un livre juste par l’attitude et la tenue d’un personnage, dans la plupart des cas, sans tomber dans le ridicule ou le déjà-vu.

Pour moi le fait de représenter un petit personnage dans un décor est juste une façon de donner l’échelle de l’environnement. Comme le plus souvent j’illustre de la fantasy ou de la science-fiction, la question de la différence d’échelle par rapport à notre monde réel crée déjà une espèce d’invitation à se plonger dans le livre (en tout cas pour moi),

C’est donc une forme de thématique personnelle, même si j’essaye quand cela est possible de varier mes angles de vue et mes sujets pour coller aux livres sans trop spoiler (comme pour la couverture de « Royaume Désuni » de James Lovegrove ou « le Cerveau Vert » de Franck Herbert)

Royaume Désuni (James Lovegrove).

Tu utilises souvent des couleurs chaudes qui donnent à tes couvertures une impression de vie et de dynamisme, comme si on assistait à l’arrêt sur image d’une séquence dont on voudrait connaître l’évolution. Est-ce une manière d’attirer le lecteur à l’intérieur du livre ? Question subsidiaire : est-ce qu’une couverture t’a déjà assez convaincu pour provoquer l’achat du livre qu’elle représente ?

Pour le choix des couleurs, il y a deux facteurs : d’une part très clairement mes goûts personnels, j’essaye souvent de varier au maximum ma gamme de couleur, mais on revient facilement aux mêmes types de gammes ; d’autre part il faut que la gamme colorée plaise au client (éditeur  ou autre), et des gammes plus froides plaisent moins facilement.

Le Nom du Vent (Patrick Rothfuss).

En couverture, oui, je me souviens très nettement de la couverture de « Royaume blessé » de Laurent Kloetzer, illustré par Alex Alice, que j’ai acheté uniquement pour sa couverture (et que j’ai beaucoup aimé lire par la suite).

Le Royaume Blessé (Laurent Kloetzer).

Est-ce qu’il t’arrive de proposer  à certains clients des idées qui te semblent meilleures  que les leurs ? Ou essaies-tu parfois de contourner des consignes ? D’autre part, as-tu déjà refusé d’illustrer des romans parce que le livre ou l’idée de la couverture ne te plaisaient pas ?

Il m’arrive très souvent de proposer des idées qui ne sont pas retenues ou qui sont tellement remaniées qu’elles n’ont plus rien à voir avec le final. Pour les consignes, j’essaye dans la mesure du possible de les respecter même si je tends toujours vers mes goûts personnels.

Il ne m’est jamais arrivé de refuser de travailler à cause d’un texte (qui suis-je pour juger de la qualité littéraire?), mais j’ai déjà plusieurs fois refusé de continuer de travailler sur des couvertures trop éloignées de mes goûts, clairement.

Selon nous, ton travail sur le Disque-Monde dépareille de tes autres œuvres, peut-être parce que, justement, les personnages prennent le dessus sur les décors. Est-ce que tu t’amuses en dessinant sur ce type de réalisation ?

Accros du Roc (Terry Pratchett).

Oui, j’ai énormément de plaisir à travailler dessus. Je ne pense pas que je pourrais rendre le côté humoristique et le foisonnement d’idées des livres sans passer par des couvertures très dynamiques assez chargées en personnages, en lumières et en couleurs, avec des perspectives assez aberrantes.

Dans la mesure où l’univers du Disque-Monde est lui même assez à part dans le monde de l’édition, le fait que ces couvertures sortent du lot me semble assez cohérent.

D’un autre côté ma toute première couverture pour le roman « Gluckster le Rouge » de Pascal Francaix portait déjà en elle cet esprit et respectait ce livre lui aussi un peu à part et humoristique.

Gluckster le Rouge (Pascal Françaix).

Une de tes peintures les plus marquantes/représentatives, à nos yeux, est celle de l’ouvrage « Orage Mécanique » de Pierre Pelot. Tu peux nous en parler ? Nous dire ce qu’elle représente pour toi, sur le fond et sur la forme ?

C’est une des couvertures les plus personnelles et peut être les moins « rigoureuses » de mon parcours. N’ayant pas pu lire le livre avant de l’illustrer, j’ai pris le parti pris de respecter l’esprit du résumé que l’on m’en a donné en optant pour un rendu beaucoup plus graphique que ce que je fais habituellement. Si elle est plus marquante c’est aussi parce que j’ai très peu souvent l’occasion d’illustrer de  la science-fiction.

Orage Mécanique (Pierre Pelot).

Question de néophyte : est-ce qu’un illustrateur réalise aussi les mentions textuelles des couvertures (titres, nom de l’auteur, etc.) ? On imagine que cela a forcément une importance sur les choix du cadre et de la composition…

Non, je ne réalise aucune partie purement graphique, à part en de très rares occasions (pour l’intégrale de « Xanth » ou pour « l’Académie Rowan » où j’ai fait de l’habillage graphique mais toujours pas toute la partie texte). C’est vraiment un travail à part entière, que je ne maîtrise pas du tout.

Nous connaissons ton travail comme peintre digital, ou matte painter, mais peut-être fais-tu aussi du graphisme, ou du compositing ? De plus, comment travailles-tu avec Internet (recherches, téléchargement textures, photos, brushes, etc.) ?

Je ne fais aucun graphisme ou compositing. Sinon je travaille évidemment abondamment avec internet pour me créer des bases de données de références pour les personnages et les décors. À part l’usage de quelques sites de textures très connus, la très grande majorité de mes textures proviennent de photos personnelles, et sont constamment remaniées.

Est-ce que tu as travaillé sur des pochettes de cd’s ?

J’ai déjà fait une couverture de cd spécifique, mais j’en fais très peu.

Que retiens-tu de ton passage dans l’industrie du jeu vidéo, en tant qu’artiste 3D ?

J’ai appris énormément lors de mon passage dans le jeu vidéo, que ce soit l’influence de la lumière, la construction d’un décor ou d’un personnage, le rendu des matières et l’utilisation des couleurs : la liste est sans fin.

Est-ce que tu t’inspires de films qui t’auraient marqués graphiquement ? Si oui, lesquels ?

Je ne m’inspire pas particulièrement de films, en tout cas pas consciemment. Ma vraie base d’inspiration est en amont, tous les très grands artistes qui sont à l’origine des films, ou des jeux vidéos…

As-tu des héros ou des gens qui t’inspirent en général ?

Pour faire suite à la question précédente, ce sont principalement des artistes comme Moebius, Sparth, Aleksi Briclot, Jean Sebastien Rossbach, Craig Mullins, Khang Le, Thom Thenery ou Paul Lasaine, parmi quelques autres personnes de grands talents. Et bien sûr beaucoup d’écrivains, comme Lovecraft, Terry Pratchett, George R.R. Martin ou Patrick Rothfuss…

Moebius / Jean Giraud / Gir

Si tu le souhaites, tu peux nous poser la question que tu souhaites, nous y répondrons avec plaisir. Tu n’es pas obligé non plus. C’est une rubrique que nous initions aujourd’hui.

Ok, quel film auriez-vous aimé tourner ?

Guillaume : pour ma part, sûrement un film que je n’ai pas trop aimé, ou que j’ai trouvé raté, ou qui n’a pas pu se faire… je pense par exemple au Don Quichotte de Terry Gilliam, dont les déboires sont devenus fameux. Cependant, j’aurai préféré voir le film réalisé par Terry Gilliam lui-même. C’est souvent mieux de rester spectateur d’un film ou d’un réalisateur qu’on aime… Sinon, j’aurai voulu tourner n’importe quel film avec Louise Brooks…
Daniel : un épisode d’une de mes séries préférées. Peut-être un des épisodes des Sopranos.
Finissons ton interview, Marc. Est-ce que tu veux exprimer un coup de cœur ? Un coup de gueule ? (peu importe le sujet)

Coup de cœur : je serai dans quelques jours père pour la deuxième fois !

Toutes nos félicitations, Marc, et tous nos vœux de bonheur. Merci beaucoup pour tes réponses !

Le site web de Marc : marcsimonetti.com

Son blog : kemar.blogs.3dvf.com

La galerie de Marc sur Tumblr.

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Cette semaine nous aurons l’occasion de réaliser des prises de vues dans le cadre du projet Natural Pets / Natural Horse pour la société NEeco.

Le tournage se composera de trois parties :

• dans un centre équestre, pour illustrer le mode d’emploi et d’entretien de la litière pour chevaux, Natural Horse.
• Avec un chat et son bac à litière. Cette fois pour le mode d’emploi de Natural Pets.
• Pour finir, quelques images d’autres animaux de compagnie (hamster, oiseau, souris, etc.) viendront compléter nos besoins en images réelles.

C’est donc le premier tournage « animalier » pour nous. Il se déroulera mardi 15 et mercredi 16 mai.

Le projet (les 2 vidéos : Natural Pets et Natural Horse) doit être terminé, livré et validé pour la fin du mois de mai. Nous compléterons ce post avec quelques photos du shoot !

La dance des mains – Pékin. Chine.

Pour ceux qui ne l’ont pas encore vue, voici la bande annonce de Samsara. Le film de Ron Fricke s’annonce à priori dans la lignée des légendaires Chronos et Baraka, qui tous deux se caractérisaient par une grâce visuelle et sonore tout à fait inouïe. Comme son aîné Baraka, Samsara a été tourné en 70mm. Le film n’a pas encore de sortie prévue en France… 

L’équipe musicale est composée de Michael Stearns, Lisa Gerrard, et Marcello De Francisci. Lisa Gerrard est connue pour avoir fondé le groupe Dead Can Dance et pour ses participations remarquées à des bandes originales de films, tels que Gladiator, Ali, Révélations, et d’autres…

Le terme « samsara » signifie « la roue de la vie » en tibétain. Observez donc ici un avant-goût de la naissance, la mort et la renaissance, selon Ron Fricke :

Kamel Guemra, dans Legalize Burgers

Bonjour Kamel, avant tout, est-ce que tu peux nous dresser une rapide présentation de Boogieman Production ? Si tu veux en profiter pour nous résumer ton parcours, on est d’accord. Et pour un état des lieux de ton actu, on est d’accord aussi… Oui, c’est une longue question.

Boogieman Production a été créée en 2007, on avait besoin d’une entité pour facturer nos travaux en films publicitaires et institutionnels. En gros, la stratégie était simple, rentrer de l’argent pour financer nos courts-métrages et projets de films en écriture afin d’avoir une carte de visite au plus vite. Ça n’a rien d’original, tout le monde fait ça il me semble, la vérité est que si tu attends les subventions, faut avoir les reins solides. Elles finissent quand même par arriver avec le temps.

Mon parcours n’avait rien à voir avec le cinéma, j’ai étudié brièvement l’économie avant d’atterrir dans l’informatique, je me suis retrouvé à m’occuper du service informatique de Vivendi à New York, où j’ai vécu 4 ans… Puis en 2005 Morade Aïssaoui, l’un de mes meilleurs amis et mon associé aujourd’hui, m’a dit :  » je quitte l’informatique, je fais une formation pour être réalisateur ». Je lui ai dit :  » ok je te donne un coup de main… » Au final, c’était une porte de sortie ! J’ai pris quelques cours pour écrire, me suis tapé deux, trois bouquins (Syd Field a ma préférence). On a crée la structure et je suis rentré en 2007, un fois qu’on avait assez de sous pour en vivre, chichement mais sûrement. Aujourd’hui, nous avons réalisé une centaine de films institutionnels. Nous avons produits trois courts-métrages qui ont tous eus des carrières en festivals et des diffusions TV, nous sommes en cours de production de trois nouveaux films courts. Et mon parcours personnel en tant que scénariste se partage entre nos projets en interne et les projets en externe. Depuis 2011 je suis représenté par CINEART, ce qui a donné lieu à de belles rencontres et de beaux projets à venir.

Morade Aïssaoui, réalisateur, Boogieman Production

À quoi ressemble ta journée type ? Les activités de scénariste et de producteur sont-elles compatibles ?

Ma journée type est simple, de 9h à 13h, grattage (écriture, généralement avec des co-auteurs comme Sledge Bidounga), de 14h à 17h, (re)lecture et prise de notes. S’il y a une urgence, je déborde… Producteur et scénariste, c’est aimer se faire mal… On écrit, on produit et on doit respecter l’immense chaîne des intervenants qui viendront se mettre entre soi et la réalisation de son travail. Ça force l’humilité et l’acceptation des choses que l’on ne peut pas maîtriser. La prochaine étape serait de réaliser, je n’ai pas encore ce talent mais j’y songe.

Parlons écriture, si tu veux. Est-ce que tu te sens libre d’aborder tous les sujets possibles ou est-ce que, parce que tu es aussi producteur, tu te « censures » dès le début d’un projet ? Ou pour poser la question différemment, est-ce que tu sens une certaine frilosité en France, pour certains sujets de fictions ou certains genres de films ?

Ce n’est pas de la frilosité à ce niveau-là, c’est la banquise… Ils sont beaucoup à pester contre la frilosité du « système ». Personnellement, je pense que c’est d’abord aux producteurs et aux scénaristes de créer des projets qui fassent leurs preuves. Une sorte d’entente entre producteurs et scénaristes qui se donnent les moyens de convaincre tout le monde sur un modèle économique « acceptable » pour le diffuseur. Ça implique que le diffuseur voit un intérêt à dépenser un minimum pour « voir »… Je n’ai eu l’occasion de rencontrer que l’un d’entre eux à titre de producteur et ce fût une belle rencontre qui allait dans le sens de la qualité, nous verrons ce que cela donnera. Donner la possibilité au diffuseur de tester le projet auprès du public et surtout laisser le public décider de ce qu’il aime, me parait le seul moyen de rassurer. Ça passe peut-être par des projos panels de portions du programme (l’aide au pilote, etc) ou des « one shot » qui peuvent donner lieu à des séries. Les américains savent créer des projets qui peuvent s’arrêter au pilote ou continuer si ça plait. Une sorte de « stop ou encore »… Après cela, se pose la question du financement, en télévision je préfère de loin regarder ce que fait la BBC que HBO, SHOWTIME ou AMC, pas par goût car je suis fan de ces séries américaines comme beaucoup mais par réalisme, la BBC doit avoir grosso modo des budgets plus proches de nos productions françaises. Pour autant, la qualité de leurs séries depuis quelques années est juste phénoménale (Luther, Accused, Top Boys, Sherlock, etc). Ils ont aussi un goût pour les mini-séries finies que je trouve géniales (The Shadow Line, The Hour, State of Play). Il faut savoir qu’en suivant ce schéma, la qualité, on peut aussi viser l’exportation et des revenus supplémentaires.

The Hour, produit par la BBC…

Comment perçois-tu, d’ailleurs, le « storytelling » en France ?

Je n’arrive pas à saisir le « storytelling » français. Aujourd’hui, je suis confronté à la « demande » et je me rends compte du fossé à combler. Les séries américaines font des cartons d’audiences et les mêmes cartons d’audiences en fiction française sont réalisés par des « anges gardiens » ou des adeptes du « camping ». Si c’est un fait, je dois le respecter et je n’ai donc pas la prétention de savoir comment se situe le « storytelling ». Je me suis juste donné une ligne de conduite personnelle : écrire ce qui me plait, limiter au maximum les censures contre-productives artistiquement. Je ne me vois de toute façon pas développer quelque chose que je ne peux pas défendre sur la longueur. Je suis obligé de sentir un intérêt quasi viscéral à tout ce que j’entreprends. Ça donne des lâchers prises souvent difficiles à faire mais nécessaires.

Un des problèmes, selon nous, c’est que les scénaristes prennent souvent comme référence ou inspiration des films ou des séries tv, plutôt que le réel, ou leur imaginaire. De fait, les situations sont souvent « pas possibles », tant dans la dramaturgie générale des récits que dans le contenu de chaque scène. Je prends comme exemple un long métrage récent qui, pourtant, a reçu un bon accueil, mais est très symptomatique de cela : « À bout portant », de Fred Cavayé, qui est bourré d’incohérences. Le film devient presque une parodie alors qu’il se veut sérieux. Que penses-tu de cela ?

Personnellement, j’ai bien aimé le travail de Fred Cavayé sur ce film, mais je comprends tes objections, je te répondrais que : « Ce est qui vrai n’est pas forcément vraisemblable… ». On en a fait l’expérience, nous avons récemment développé un pilote où toutes les actions de l’héroïne ont été tirées de faits divers violents, on nous a rétorqué que la version n’était pas crédible, pourtant tout était vrai. À cela, je ne réponds pas, je ne lutte même pas, je propose d’autres choses jusqu’à ce que ça passe. D’abord parce que mes interlocuteurs, un producteur, un directeur de collection peuvent me faire évoluer et me pousser à rendre meilleur le scénario. Ensuite parce que c’est à nous, scénaristes, de justifier notre point de vue de façon pertinente, d’en éclaircir les contours, notamment psychologiques. Si une femme se saisit d’un couteau de cuisine et plante son mari, il doit y avoir des conditions qui permettent à cette situation d’exister à l’écran… Je continue donc de puiser dans la réalité ce qui m’inspire parce que c’est quand même le plus excitant. Ça participe d’un témoignage autant que d’un travail de fiction.

Au fond, qui est responsable de la relative faiblesse du scénario en France ? Les scénaristes, les producteurs, les réalisateurs, les chaînes de télé, les spectateurs ? Est-ce aussi un problème de méthode ?

Sans botter en touche, je n’en ai aucune idée. Je vois peu de séries françaises, je crois que Canal + se donne pas mal de mal pour tirer vers le haut « la création originale ». Je me souviens avoir été séduit par les premiers « Engrenages ». D’autres projets furent moins heureux à mes yeux. J’ai trouvé les projets « Flics » ou « David Nolande » intéressants. Une sorte de ligne à développer. De toute façon, tant que les chaînes préjugeront de ce que le public veut sur la base de leurs statistiques d’audience, il sera difficile de leur proposer de nouvelles choses sans être dans une logique ultra rassurante pour la chaîne (Casting, concept, coût, etc). A nous d’être pragmatique et de nous adapter.

Il y a peu de chaînes « incubatrices » où des projets peuvent voir le jour et se tester auprès du public. C’est peut-être à développer. Je pense que la vocation de France 4 c’est peut-être de jouer ce rôle pour France TV. Il y a bien eu un projet d’épisode à 400 K€ qui témoigne de leur envie de changer les choses. Canal + est ce qui se rapproche le plus d’une chaîne incubatrice de talent et pour autant ils y mettent les moyens. Aux US, le modèle HBO est un des plus beaux qui soient mais est trop onéreux pour la France. Encore une fois je regarde chez nos voisins anglais et je vois l’audace qui paye chez la BBC alors qu’elle est en pleine coupe budgétaire, je sais qu’elle inspire les diffuseurs français mais le passage à l’acte est encore difficile. Comme l’argument de l’argent, ici, n’en est plus un. C’est même l’inverse, le manque d’argent les a rendus plus créatifs pour autant qu’on ne les censure pas. On va peut-être assister à quelques changements avec des directeurs de fictions et des producteurs audacieux. Pour info, la BBC perçoit une redevance de 4 mds d’euros/an contre 2 mds pour FRANCE TV, mais la BBC produit beaucoup plus et a du faire face a un plan social. Le coût moyen par série produite s’en ressent et pourtant la qualité est au rendez-vous…

Tu nous parles un peu de Soul Wash ? De l’écriture et de la production en particulier ?


Soul Wash est un projet né d’une passion commune pour la Soul Music, on a découvert avec le réalisateur Douglas Attal, un jeune chanteur qui faisait un joli succès d’estime en 2009 : BEN L’ONCLE SOUL (depuis son succès s’est confirmé).

Ben l'Oncle Soul, dans Soul Wash.

On a eu cette idée de compiler ses reprises Pop-Soul autour d’une histoire. La soul nous évoquant la sincérité, c’est devenu le thème du scénario que nous avons développé, Douglas et moi. Pour la production, c’était sport, on a investi de notre poche, les droits musicaux ont été couteux. Heureusement on a eu beaucoup d’aide, notamment de la part des techniciens du films qui ont été au top et des comédiens qui ont été très généreux. On est content du résultat.

Sur le tournage de Soul Wash…

Est-ce que tu as eu des retours, suite à la diffusion sur Orange Cinéma ?


Soul Wash a globalement une belle carrière (elle continue), plus d’une dizaine de festivals, diffusion sur Orange Cinéma séries, France ô. Nous avons de très bons retours. Le film est une comédie avec beaucoup de musique. Il a une certaine fraicheur qui a été bien accueillie.


D’ailleurs, avez-vous des activités en production TV ?

Nous préparons la co-production d’une série mais je ne peux pas en dire plus à ce stade.


Quel est votre modèle économique ? Vous produisez toujours des films de commande (corporate) ? Si oui, quelle partie des gains captés par ce secteur pouvez-vous réinvestir dans la fiction ?

Nous ne produisons plus de films de commande. C’est une question de temps. Morade Aïssaoui ayant des revenus en tant que réalisateur et moi-même ayant des revenus en tant que scénariste, nous nous attelons maintenant à présenter des projets en fiction uniquement. Il n’y a donc plus de « modèle » économique. Nous avons une structure de production qui est somme toute une entité prête à accueillir et concevoir des projets « financés » (pré-achat, subvention, crédit d’impôts, etc).

En matière de cinéma, que conseilles-tu aujourd’hui, pour financer un court-métrage ? La méthode traditionnelle, avec les subventions du CNC, des régions, et le temps que ça implique, ou bien une approche plus moderne, mais rapide, avec des budgets inférieurs, apportés par exemple par le crowd-funding ?

Faites ce que vous avez à faire ! Très sérieusement, le talent fait toute la différence, il y a des hommes orchestres assez géniaux qui peuvent sortir 8 minutes utiles par jour avec un résultat hallucinant, j’en connais. Donc les modèles, y’en a clairement pas. Il faut se donner toutes les chances et se donner les moyens, donc oui aux dossiers au CNC et aux régions et si ça tarde trop (une ou deux sessions max) passer en mode « crowd funding » et au pire « à l’arrache » en repensant le projet pour qu’il soit faisable. De toute façon, la vocation du court c’est d’exister et d’être diffusé, vu, remarqué ! Faut arrêter de se plaindre parce qu’on n’a pas d’argent, faut dimensionner le projet pour qu’il soit réalisable et le faire ! Point ! Une fois le talent remarqué, l’argent viendra le cautionner.



Tu es donc tenté de réaliser toi-même les scénarios que tu écris ? D’autre part, comme il est coutume de dire qu’un film s’écrit aussi et surtout au montage, participes-tu à la postproduction de ces films (et pas seulement comme un producteur) ?

Oui je suis clairement tenté par la réalisation et oui je participe à la post-production même si je n’ai pas le talent de mon associé Morade Aïssaoui pour cela. Il y a une vraie attention aux détails à avoir. Il est clairement plus concentré sur toutes ces petites choses qui font le perfectionnisme, moi je suis plus dans le gobal, d’où une belle complémentarité selon moi. Je rêve d’avoir ce degré d’exigence quant à l’attention au détail, j’y travaille.



Est-ce que tu rêves d’une adaptation particulière ? Ou quel film aurais-tu aimé écrire ? Et pourquoi ?


Il y a bien une BD, « XOCO » qui m’a tapé dans l’oeil… Quant aux films, il y’en a trop… Le silence des Agneaux, Seven, Blade Runner, Old Boy, the chaser, I saw the Devil ou les 7 Samouraïs, et quelques comédies romantiques…


La question que nous posons toujours en fin d’interview : as-tu des héros ou des gens qui t’inspirent en général ?

J’ai quelques « héros » en effet (personnalités historiques, certains artistes, écrivains, peintres, cinéastes) mais je méfie de l’hagiographie qui accompagne les grandes figures. Je ne singe personne, j’essaie de tracer mon propre sillon, en respectant le travail d’autres…



Et pour terminer, un coup de cœur ? Un coup de gueule ?

Je ne suis vraiment pas doué pour cet exercice. Je m’enthousiasme souvent et pardonne rapidement. Donc rien ne me vient là, comme ça… Non, vraiment rien, ou tout.

Réponses franches et généreuses : merci Kamel !
www.bgmprod.com 

En complément à l’interview, quelques photos issues du film Peek a Boo :

La bande annonce de Peek a Boo :

L’activité est dense pour Terria Films ce mois-ci. Entre la préparation du film « Rock Serenade » et la réalisation de deux nouvelles commandes, destinées à la promotion des produits « Natural Pets » et « Natural Horse », le temps à notre disposition est pleinement mis à profit.

Les commandes : la société NEeco a émis un appel d’offres pour deux vidéos de promotion de leurs litières pour animaux. D’un côté, Natural Pets pour les animaux de compagnie. De l’autre, Natural Horse pour les chevaux. Et nous avons remporté cet appel. Le travail a commencé très vite car les délais sont serrés. Analyse préalable, scripts, musiques, voice over, premiers éléments vectoriels et en 3D, tout se met vite en place. La première vidéo, Natural Pets, sera bientôt terminée (en fin de mois). La seconde (Natural Horse), suivra. Les deux scripts sont assez proches mais des différences notables nous poussent à envisager les vidéos comme deux projets différents. La durée totale de réalisation devrait se monter à un mois.

L’intérêt des projets est de combiner plusieurs techniques audiovisuelles. En effet, en plus du traditionnel travail d’animation à base d’éléments graphiques vectoriels, et de textes, le montage final intégrera aussi de la vidéo et des animations en 3D. L’ensemble offrira donc une expérience visuelle variée et idéale pour la cible que NEeco vise avec Natural Pets : les enfants et la famille.

Nous sommes donc très heureux de participer à ces projets, avec une équipe projet chez le client très sympathique.

Un mot sur Rock Serenade, notre film « maison », dont le travail a débuté dès janvier dernier. Le scénario est validé, de nombreux dessins ont été réalisés (décor principal et personnages). Il reste un important travail graphique « traditionnel » à fournir mais la modélisation 3D va très bientôt débuter (première semaine de mai) et nous vous montrerons les premiers résultats. Une petite séance de making-of vidéo devrait s’organiser d’ici le mois de juin à l’occasion du travail sur le story board et le découpage technique. Il est important de préparer précisément les plans et de savoir où se posera la caméra virtuelle avant de modéliser les décors entièrement.

A bientôt donc, pour plus d’informations et de visuels !

Daniel et Guillaume.

]]> http://www.terriafilms.com/avril/feed 0 http://www.terriafilms.com/rock-serenade-petunias-faces http://www.terriafilms.com/rock-serenade-petunias-faces#comments Fri, 13 Apr 2012 16:48:34 +0000 guillaume http://www.terriafilms.com/?p=2416 Nous essaierons de poster, bientôt, des timelapses de la réalisation de certains de ces dessins (ou d’autres travaux connexes). Cliquez sur l’image pour une dimension ...]]> Comme annoncé hier, voici quelques nouveaux dessins de Pétunia, l’un des deux personnages principaux de Rock Serenade. Le but de ces croquis est de définir précisément plusieurs expressions faciales de référence, afin de faciliter d’une part, la modélisation 3D, et d’autre part, l’animation du visage. Donc ici, une Pétunia étonnée, en colère, joyeuse, perplexe, amusée, etc.

Nous essaierons de poster, bientôt, des timelapses de la réalisation de certains de ces dessins (ou d’autres travaux connexes). Cliquez sur l’image pour une dimension supérieure :

Le projet avance, nous sommes dans les délais, tout se présente pour le mieux. N’hésitez pas à commenter nos articles, ici même sur le blog ou, plus simplement, sur notre page facebook.

PS : aucun rapport entre notre Pétunia et celle, marsupilamienne, de Chabat.

Quelques petites news concernant la production de Rock Serenade, notre court métrage en images de synthèse. Nous poursuivons les dessins des éléments principaux (décors, personnages, objets), afin d’avoir le plus de matière possible avant d’entamer la phase de modélisation (à partir de mai/juin). Il s’agit avant tout de définir la base artistique du film. Ci-joint, un des dessins préparatoires de Pétunia, le personnage féminin de Rock Serenade, présentée ici dans une posture relativement neutre (utile pour modéliser plus tard). Tous les dessins sont réalisés via Photoshop. Dans un prochain article, nous posterons des croquis de Pétunia, où nous pourrons découvrir certaines de ses multiples expressions faciales. À très bientôt !

Le contenu ? Une histoire simple, entre un garçon et une fille. De la musique. Une tentative de séduction. Et… la suite sera dans le film. Objectif tout public, avec un fond qui étudiera la question de la création et de l’expression de l’identité, dans le jeu amoureux.

Ce court-métrage devrait durer 2 minutes environ. Le scénario est écrit. Nous en sommes au stade de la recherche artistique : personnages, décors, accessoires. Ça dessine en ce moment, dans le studio Terria

Pourquoi l’animation ? Pour la liberté artistique, le contrôle technique, les possibilités infinies… Mais aussi pour limiter les contraintes de création, bien moindres qu’avec une fiction classique et son lot d’intervenants, de financements complexes, et de difficultés inhérentes à un tournage et à sa logistique, etc.

Des news  régulières seront posées sur le blog. Une fois par mois environ. La production devrait s’étaler sur plus d’un an.

Bonjour Pierre-Yves, « Outline » est sorti il y a quelques mois maintenant et, tu vas nous le confirmer, il a reçu une très bonne presse.  Avec le recul, peux-tu nous expliquer comment tu le perçois aujourd’hui ?

Oui effectivement, je suis assez content de l’accueil de ce premier album, les critiques sont pour l’instant toutes positives et je commence à obtenir des articles et interviews, ce qui est plutôt bon signe. Au final, Il m’aura fallu 6 ans pour arriver à boucler ce projet, ce qui veut dire que les compositions ont à peu près le même age. J’ai donc assez de recul pour en voir les aspects positifs et négatifs. Je pense être arrivé au résultat que je souhaitais, faire un album instrumental crédible qui tienne la longueur. Il y aurait beaucoup à redire sur l’ensemble mais il ne faut pas oublier que j’ai quasiment tout fait tout seul, de la composition au mastering en passant par l’interprétation des guitares, basses et claviers.

Tu peux nous parler des musiciens qui ont participé au projet ?

Le principal intervenant est Xavier Richard qui a fait la batterie. C’est vraiment lui que je souhaitais pour ce poste car c’est un formidable musicien et un ami de surcroit. Son travail, au vu des conditions d’enregistrement, est vraiment excellent.

Vient ensuite Matthieu Gervreau qui joue la basse sur le morceau Ubik. C’est lui aussi un très bon ami et un excellent musicien, tout comme Denis Cornardeau, qui fait un solo de guitare sur le même morceau, et Nicolas Garcia qui intervient sur The rediscovery of man. On trouve aussi Serge Servant au saxophone, qui est le directeur de l’école de musique de Bassens où je donne la majeure partie de mes cours de guitare.

Et enfin Derek Sherinian (Alice Cooper, Kiss, Billie Ydol, Yngwie Malmsteen, Dream Theater, Planet X) dont la participation fut une surprise car je ne pensais pas qu’il accepterait. C’est un claviériste fantastique qui, je l’espère, interviendra sur le prochain album de manière plus importante.

Nous trouvons très intéressante l’idée d’adapter en morceaux de musique instrumentale des grands classiques de la littérature de science fiction. Surtout parce que cela enrichit ton œuvre de thématiques fortes et permet aux morceaux d’être mis en perspective en fonction des livres qu’ils représentent, ce qui n’est pas le cas en général pour ce type de disque (où souvent la forme prend le dessus sur le fond et le sens). De fait, est-ce que tu as composé les morceaux en ayant un œil sur les livres ?

En fait au moment où j’ai commencé à travailler sur l’album, je lisais beaucoup de SF (science-fiction), donc le rapprochement s’est fait assez vite, ce qui m’a permis de donner une direction à l’ensemble du projet. Cependant, je me suis laissé parfois emporter par la musique et j’ai dû modifier certains passages pour qu’ils collent à l’ouvrage. Comme par exemple la fin du dernier morceau Goodbye 1984, qui était plus joyeuse à la base, ou du moins qui clôturait sur une note d’espoir, ce qui n’est pas le cas du livre d’Orwell. J’ai donc revu ma copie en concluant sur quelque chose de plus sombre.
De manière générale, j’ai composé la musique en me basant sur le souvenir récent des ouvrages et non en essayant d’en faire une adaptation stricte.

N’est-ce pas aussi un moyen malin pour transmettre simplement des émotions fortes, celles que tu as eu en tant que lecteur ?

Oui effectivement mais c’est aussi prendre le risque de présenter son interprétation d’une oeuvre et de se heurter aux désaccords ou même à l’incompréhension de certains. J’ai par exemple eu la remarque d’une personne qui ne comprenait pas ce que venait faire un passage latino dans le morceau consacré à 1984.

D’autre part, on imagine que tu as dû faire un « casting » de livres et que la sélection finale n’a pas été simple. Est-ce qu’il existe des bonus – quels romans, dans ce cas ?

Comme je te l’ai dit, j’ai commencé à travailler sur l’album et assez rapidement j’ai vu que les morceaux allaient coller au style choisi, la science-fiction. J’ai donc simplement écouté les idées de départ pour voir à quel livre elles correspondaient le mieux, afin de pouvoir ensuite les développer. Ce qui m’a un peu embêté, c’est de ne pas avoir de morceau pour telle ou telle oeuvre ou auteur. Je pense notamment à Frank Herbert, Cifford D. Simack ou Ray Bradbury. Sans parler de Phillip K. Dick qui aurait mérité un album entier à lui seul !

L’album étant très fouillé, tant dans les compos, les arrangements que dans le rendu sonore, est-ce que tu envisages de l’interpréter sur scène ?

L’album n’a pas été conçu dans cette optique. De plus, la longueur et la relative complexité des morceaux demanderait beaucoup de travail à une équipe de musiciens qui ne se verrait pas proposer énormément de dates. J’ai tenté une ou deux fois de jouer quelques morceaux seul avec des « bandes » mais je n’ai pas été convaincu du résultat. Je pense que ce projet restera « studio ».

D’autre part, est-ce que tu penses déjà à un prochain album ? Peut-être avec des textes cette fois ? Et d’autres influences (musicales et hors musicales) ?

Je suis sur le point de commencer la composition du prochain et il devrait être assez différent du premier, plus rock, plus dynamique. Il devrait y avoir du chant et les structures de morceaux vont être plus simples. Les influences musicales sont plus rock, pop ou hard rock. En terme de production, je vais principalement m’inspirer de Trevor Rabin. Pour les textes, ce sera plus personnel et en rapport avec mes idées et mon vécu.
Ce qui est certain, c’est que j’ai plus de moyens et de musiciens à ma disposition, ce qui devrait me permettre de me rapprocher un peu plus de mes désirs en terme de production.

Peux-tu nous parler de Ubik Mastering ? Tu construis toi-même le studio ?

Ubik Mastering est mon studio de mastering et de mixage. Je le fais évoluer constamment par l’achat de nouveaux outils et depuis 2 ans, je fabrique moi même certains appareils comme des compresseurs ou préamplis… La plupart est visible sur ma page Facebook ainsi que le reste du matériel à disposition.
Je n’avais pas fait le rapprochement entre mes études en électronique et la musique, aujourd’hui c’est une nouvelle passion qui malheureusement prend beaucoup de temps au sacrifice de la pratique de la musique.
Le studio est situé a PAU et est ouvert à toute personne souhaitant faire faire un mastering ou un mixage. L’orientation est clairement professionnelle et l’équipement de grande qualité.

Parlons un peu de cinéma et de ton rapport à l’image. Quels sont tes films de références et pourquoi ?

J’aime beaucoup les films de David Cronenberg et David Lynch pour leur traitement visuel et scénaristique. Stanley Kubrick et Andrei Tarkovski sont aussi des réalisateurs que j’admire. Ils ont été capables de produire des images qui surpassent encore aujourd’hui la plupart des productions. Plus récemment j’ai particulièrement aimé la réalisation du film « Les fils de l’homme » par Alfonso Cuaron. Il finalise son prochain film, Gravity,  qui s’annonce excellent.

Est-ce que tu as pensé réaliser des musiques de films ? Ou de la musique pour d’autres supports audiovisuels (jeu vidéo, publicités, etc.) ?

Oui, j’y ai pensé. Je trouve d’ailleurs que certains morceaux ou passages de mon album pourraient convenir à cela.
Je me souviens avoir fait l’expérience pour un court métrage d’un ami au lycée qui rendait hommage à des films comme Brazil ou 1984. Réaliser une musique originale pour son court m’avait beaucoup plu et avait apporté encore plus de personnalité à son projet.
C’est définitivement une expérience que je souhaite retenter, quel que soit le support visuel.

La question que nous posons toujours : as-tu des héros ou des gens qui t’inspirent en général ?

Musicalement, j’ai un faible pour Roine Stolt et Trevor Rabin en ce moment. L’un parce qu’il produit et fournit un nombre incroyable de morceaux d’excellente qualité et l’autre parce que j’aime sa sensibilité musicale et que la production de l’album « Talk » de Yes est la référence pour mon prochain album.
Pour la littérature et les arts graphiques, je citerai Neil Gaiman et Dave McKean ainsi que Waren Ellis et le grand Allan Moore. Je suis actuellement dans une phase très Comics.

Et pour finir, un coup de cœur ? Un coup de gueule ?

Un film : Les fils de l’homme, avec un train de retard mais je ne l’ai vu que récemment.
Deux CDs : Gossip « Music for men » et Mastodon « The Hunter » , avec ce coup-ci un grand écart !
Un comics : Transmetropolitain, c’est punk et vulgaire, mais avec du fond.
Une série : Superjail , c’est gore et vulgaire, et sans aucun fond !

Pour le coup de gueule, je vais m’abstenir afin de rester calme et ne pas me laisser embarquer par les flots que vont générer l’élection présidentielle qui s’annonce épique de ce point de vue.

Visitez le Myspace de Pierre-Yves : www.myspace.com/pymarani

 Écoutez le teaser audio de l’album « Outline » : Teaser Outline

 Et pour commander l’album, consultez la boutique en ligne : boutiquepymarani.angelfire.com

Le choix de « Terria Films » comme dénomination sociale s’est imposé assez vite, et sans trop de discussion. En vérité, « Terria Films » a été notre seul choix. Nous l’avons testé auprès de nos proches et les retours ont été positifs : Terria Films ça « sonnait » bien, c’était imagé, et ça évoquait une ambition certaine tout en restant proche d’un certain « artisanat respectueux et humain« . Terria Films, c’est un nom qu’on enregistre facilement.

Pour nous, il s’agissait avant tout d’un hommage à l’album de Devin Townsend, intitulé Terria. Un grand album, profond, puissant, original, honnête, exigeant, unique, plein d’émotions, et qui provoque l’imaginaire de manière instantanée et durable. Aussi étions-nous sensibles au fait que le disque présentait des ambiances variées, bien que cohérentes, dont la forme très soignée (virtuose) était en adéquation avec un fond intriguant : chez Townsend, le moindre détail (et ils sont nombreux) est « optimisé » pour soutenir une idée, un concept, une sensation. Finalement, ce disque était une sorte de référence, une ligne à suivre qui convenait tout à fait à ce que nous souhaitions pour notre projet. D’autre part, l’album Terria est sorti en 2001, l’année où nous, les deux  fondateurs de Terria Films, nous sommes rencontrés.  Cela faisait sens.

Pour ceux qui méconnaissent le disque, voici à quoi ressemble sa pochette (réalisée par l’illustrateur Travis Smith) :

Et un morceau représentatif : http://www.youtube.com/watch?v=aDcpF4C5cas

De plus, le choix du terme « Films » nous semblait plus judicieux que, par exemple, « prod » ou « corp » dans la mesure où cela signifiait surtout que les vidéos/projets étaient considérés avant tout comme des oeuvres, et non comme des produits. Et l’association de « Terria » et « Films » paraissait intéressante tant pour nos fictions que pour des films de commande.

Aujourd’hui, nous nous interrogeons sur la limite du terme « Films » puisque Terria diversifie ses offres et ses compétences (3D, print, etc…) mais nous estimons que l’activité principale reste et restera la production de films… donc, continuons ainsi !!!

À bientôt !